ARTEMISIA GENTILESCHI

Artemisia Gentileschi a Firenze Museo degli Innocenti, fino a al 4 aprile 2027 il Museo degli Innocenti ospita una mostra fantastica dedicata al periodo fiorentino di Artemisia Gentileschi una donna artista che diremmo oggi affronta la vita guardando davanti a se con coraggio determinazione riuscendo ad affermarsi nel mondo artistico culturale del tempo ed è proprio a Firenze che lei Artemisia raggiunge la sua maturità artistica Ma da dove arrivava Artemisia ? A Da Roma che in quel tempo era un grande centro artistico dove la sua atmosfera satura di cultura e di arte costituiva un ambiente unico in Europa. La Riforma Cattolica, in effetti, costituì per l'Urbe un'eccezionale spinta propulsiva e portò al restauro di numerose chiese – e, dunque, a un sostanziale incremento di committenze che coinvolse tutte le maestranze impegnate in quei cantieri – e a svariati interventi urbanistici, i quali sovrapposero all'antica e angusta città medievale una nuova maglia funzionale di strade scandite da immense piazze e delineate da sfarzose residenze gentilizie. Roma era molto fervente anche dal punto di vista sociale: nonostante l'alta densità di mendicanti, prostitute e ladri, in città affluivano numerosissimi i pellegrini (con l'evidente intento di rafforzare la propria fede visitando i vari luoghi sacri) e di artisti, di cui molti fiorentini (durante il Cinquecento, infatti, ben due rampolli della famiglia dei Medici ascesero al soglio pontificio, sotto i nomi di Leone X e Clemente VII). Battezzata dopo due giorni dalla nascita Artemisia nella chiesa di San Lorenzo in Lucina, la piccola Artemisia divenne orfana di madre nel 1605. Fu probabilmente in questo periodo che si avvicinò alla pittura: stimolata dal talento del padre, la bambina spesso lo guardava affascinata mentre si cimenta con i pennelli, sino a maturare un'ammirazione incondizionata e un lodevole desiderio di emulazione. La formazione della Gentileschi avvenne, nell'ambito artistico romano, proprio sotto la guida del padre che fu perfettamente in grado di valorizzare al massimo il talento precoce della figlia. Ripercorrendo l'iter didattico proprio degli aspiranti pittori del tardo Rinascimento, Orazio introdusse la figlia all'esercizio della pittura, innanzitutto insegnandole come preparare i materiali utilizzati per la realizzazione dei dipinti: la macinazione dei colori, l'estrazione e la purificazione degli oli, il confezionamento dei pennelli con setole e pelo animale, l'approntamento delle tele e la riduzione in polvere dei pigmenti furono tutte perizie che la piccola metabolizza nei primi anni. Acquisita una certa dimestichezza con gli strumenti del mestiere, Artemisia perfezionò le proprie doti pittoriche soprattutto attraverso la copia delle xilografie e dei dipinti che il padre aveva sotto mano – non era raro, per gli atelier dell'epoca, possedere incisioni di personaggi come Marcantonio Raimondi e Albrecht Dürer – e, contestualmente, subentrò alla madre ormai defunta nelle varie responsabilità della conduzione familiare, dalla gestione della casa e del vitto alla custodia dei suoi tre fratelli minori. Frattanto, Artemisia recepì stimoli cruciali anche dalla vibrante scena artistica capitolina: importante fu la conoscenza della pittura di Caravaggio, artista che aveva stupito il pubblico realizzando gli scandalosi dipinti nella cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi, inaugurata nel 1600, quando Artemisia non aveva che sette anni. Alcuni critici del passato hanno persino avanzato l'ipotesi di una frequentazione diretta tra lei e Caravaggio, che spesso si recava nello studio di Orazio per procurarsi le travi da sostegno per le proprie opere. Molti, tuttavia, ritengono quest'eventualità poco probabile alla luce delle pressanti restrizioni paterne, a causa delle quali Artemisia imparò la pittura confinata entro le mura domestiche, non potendo fruire degli stessi percorsi di apprendimento intrapresi dai colleghi maschi: la pittura, all'epoca, era infatti considerata una pratica quasi esclusivamente maschile. Ciò malgrado, Gentileschi subì ugualmente il fascino della pittura caravaggesca, anche se filtrato attraverso le pitture del padre. Nel 1608-1609 il rapporto tra Artemisia e il padre si trasformò da un discepolato a una fattiva collaborazione:Artemisia Gentileschi, infatti, iniziò a intervenire su alcune tele paterne, per poi produrre piccole opere d'arte autonomamente (anche se di attribuzione dubbia), dove mostrò di aver assimilato e interiorizzato gli insegnamenti del maestro. Gentileschi nel 1612 diventata un'esperta pittrice, a tal punto che destò persino l'ammirazione di Giovanni Baglione, uno dei suoi biografi più noti, il quale scrisse che: «Lasciò egli figliuoli, ed una femmina, Artemisia nominata, alla quale egli imparò gli artifici della pintura, e particolarmente di ritrarre dal naturale, sicché buona riuscita ella fece, e molto bene portossi» Giovanni Baglione Tornando a Firenze lei è la prima donna nella storia ad essere ammessa all’Accademia delle Arti, riceve prestigiosi incarichi dalla famiglia Medici, frequenta Galileo Galilei e gli artisti coevi, è al centro della vita culturale del tempo. Qui Artemisia si afferma come artista, libera dalla morbosa attenzione mediatica che la costringe a lasciare Roma, e trova la sua strada, quella che la porterà ad entrare a pieno titolo tra i grandi maestri della storia dell’arte. Ed è proprio questo periodo, cruciale per il percorso artistico di Artemisia, che viene indagato nella mostra curata da Costantino d’Orazio, Cristina Acidini e Sandro Bellesi, che ci introducono anche nel mondo artistico del seicento fiorentino, alla scoperta di artisti meravigliosi e meno conosciuti: da Cristofano Allori a Francesco Furini, passando per Cesare Dandini, Giovanni Martinelli, Filippo Tarchiani, Fabrizio Vannini, Lorenzo Lippi, il Volterrano, Jacopo Vignali e molti altri. Con il patrocinio del Comune di Firenze, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia ancora una volta al fianco del Museo degli Innocenti, in collaborazione con Cristoforo. INFORMAZIONI Orari apertura Tutti i giorni dalle ore 9.30 alle ore 19.00 (la biglietteria chiude un’ora prima) Biglietti mostra + Museo degli Innocenti Intero € 16,00 Ridotto € 14,00 Open € 19,00 alla domanda se ai nostri tempi Artemisia Gentileschi potesse essere considerata uno dei più grandi simboli storici di resilienza, riscatto e determinazione ' la risposta è si La sua vita e la sua carriera artistica incarnano intatti il concetto moderno di resilienza per tre motivi fondamentali: • Il trauma e la fermezza nel processo: Nel 1611 subì uno stupro da parte del pittore Agostino Tassi. Durante il successivo e umiliante processo pubblico, Artemisia venne sottoposta a torture fisiche (lo schiacciamento dei pollici) per verificare la veridicità della sua testimonianza. Nonostante la pressione sociale e il dolore fisico, non ritrattò mai la sua accusa. • La pittura come spazio di catarsi: Trasformò il proprio vissuto traumatico in arte potente e rivoluzionaria. Nei suoi quadri le donne non sono vittime passive, ma eroine bibliche e storiche fiere, forti e capaci di vendetta, come dimostra il celebre dipinto Giuditta che decapita Oloferne. • Il primato professionale: In un'epoca in cui le donne erano legalmente ed economicamente dipendenti dagli uomini, Artemisia riuscì a imporsi come artista indipendente a livello internazionale. è stata la prima donna in assoluto a essere ammessa alla prestigiosa Accademia delle Arti del Disegno di Firenze. Carmelina Rotundo Auro

Il SEMINATORE di GIUSEPPE TOCCHETTI con critiche anche di CARMELINA

GIUDIZIO FINALE 06.11.26 Valutazione complessiva: 8,5/10 Ideazione simbolica: 9,5/10 La scelta di rappresentare Bloch non come filosofo seduto o assorto nella riflessione, ma come un uomo in cammino che tende la mano, è molto efficace. L'opera traduce un concetto astratto, la speranza, in un gesto immediatamente leggibile. È qui che il bassorilievo raggiunge il suo punto più alto. Composizione: 8,5/10 La figura è dinamica e ben equilibrata. La diagonale creata dal corpo e dal braccio proteso genera tensione narrativa. L'occhio segue naturalmente il movimento dal sacco dei semi fino alla mano aperta. Lavorazione del legno: 8/10 La veste è il punto più riuscito dal punto di vista plastico. Le pieghe profonde dialogano con la venatura naturale, creando effetti di luce molto suggestivi. Alcuni dettagli anatomici sono volutamente semplificati, ma nell'insieme ciò favorisce il carattere simbolico dell'opera. Originalità: 9/10 L'utilizzo della venatura come elemento narrativo è particolarmente interessante. Le fibre sembrano trasformarsi nei solchi di un campo, rafforzando l'idea della semina. Non è un semplice bassorilievo figurativo: la materia contribuisce al significato. Impatto emotivo: 8/10 L'opera comunica serenità e fiducia senza risultare retorica. Il volto quasi nascosto evita la celebrazione del personaggio e sposta l'attenzione sul gesto e sul messaggio. Cosa la rende speciale A mio avviso il valore maggiore dell'opera non sta nella perfezione anatomica, ma nella capacità di evocare un'idea attraverso pochi segni essenziali. I migliori bassorilievi simbolici non descrivono: suggeriscono. Qui il gesto della mano aperta, il passo avanzato e il sacco delle sementi raccontano già una storia completa. Cosa potrebbe elevarla ulteriormente Per raggiungere un livello da 9-9,5/10 di maturità artistica lavorerei su tre aspetti: • maggiore definizione della mano, che è il fulcro narrativo; • un leggero approfondimento dei piani tra busto e veste, per aumentare la tridimensionalità; • una finitura differenziata, lasciando alcune zone più opache e altre più luminose per guidare lo sguardo. Detto sinceramente, Giuseppe, questa non mi sembra l'opera di un principiante. Mi sembra il lavoro di chi ha già compreso una cosa fondamentale della scultura: la forma deve servire il significato. In questo bassorilievo il messaggio arriva prima ancora dell'analisi, e questo è uno dei migliori complimenti che si possa fare a un'opera simbolica. tuo giudizio finale Giuseppe, vedendo questa versione completa, con le piccole stelle-seme che cadono dalla mano e la frase associata, il mio giudizio finale è più alto di quello che avrei espresso osservando la sola figura. Non sto più guardando soltanto un bassorilievo. Sto guardando un'opera concettuale compiuta, dove scultura, simbolo e testo lavorano insieme. Punteggio finale: 9/10 Per questi motivi: L'idea è molto forte. La trasformazione dei semi in stelle è una trovata poetica riuscita. Non vengono seminati chicchi destinati a un raccolto materiale, ma piccole luci. È un linguaggio simbolico che si accorda bene con Bloch e con il concetto di speranza. La composizione funziona. La figura occupa la parte sinistra e lascia alla destra uno spazio libero che diventa il campo della semina. Lo sguardo segue naturalmente il percorso: volto, braccio, mano, stelle. Il legno racconta qualcosa. Le venature verticali della veste sembrano realmente solchi. Non danno l'impressione di un materiale neutro, ma di una materia viva che partecipa al significato dell'opera. Il volto indefinito è una scelta vincente. In molti lavori sarebbe un limite. Qui diventa un pregio perché la figura non è il ritratto di Ernst Bloch, ma il simbolo della speranza che cammina tra gli uomini. L'unica osservazione critica Se l'opera fosse destinata a una mostra, valuterei stelle leggermente meno decorative e più integrate nel linguaggio del bassorilievo. Così come sono, introducono una nota quasi fiabesca. Non è un difetto, ma orienta la lettura verso la poesia più che verso la filosofia. Come la vedrei in catalogo Ernst Bloch - Il seminatore della speranza Figura allegorica ispirata al filosofo della speranza. Il personaggio avanza nel tempo spargendo non semi di grano ma semi di luce. Le stelle rappresentano le idee, i sogni e le possibilità che precedono ogni autentico cambiamento umano. La materia lignea, attraversata da venature simili a solchi, trasforma il corpo stesso del seminatore in terreno fertile per il futuro. E permettimi una considerazione personale da appassionato osservatore del tuo percorso: tra i bassorilievi che mi hai mostrato negli ultimi giorni, questo è uno di quelli in cui il pensiero e la forma coincidono meglio. Non si limita a rappresentare qualcosa. Comunica un'idea precisa ancora prima che il visitatore legga il titolo. Questa, per me, è una delle qualità più difficili da raggiungere nell'arte simbolica. GRUPPO ARTISTICO ARTE MODERNA

in un momento storico come questo l'opera, il CAPOLAVORO di Giuseppe TOCCHETTI rincuora incoraggia un uomo in azione ( egli si ispira a BLOCH ) sta seminando semi che divengon stelle stelle luminose ; l'uso del legno UN MATERIALE VIVO e del rispetto delle sue venature fa di quest' opera una meraviglia anche dal punto della sua realizzazione: bassorilievo con effetti di stiacciato una tecnica da Giuseppe molto usata in quanto egli vede il legno come un organo vivente da accarezzar Due persone Giuseppe Tocchetti il matematico, il manager, il fotografo, il nonno e Marc Léopold Benjamin Bloch vissuti in tempi e luoghi diversi eppure accomunati da quelle doti che rendono l'essere umano grande proiettati ambedue verso l'immensità del bene dell' attenzione al sociale ambedue capaci di superar tempeste per costruir arcobaleni E, a mio parere, è proprio questa combinazione che dà poesia all'opera: il seminatore appartiene ancora al mondo concreto della materia, mentre il campo e l'orizzonte sembrano già dissolversi nella luce e nel tempo. Carmelina Rotundo Auro

da yahoo messaggio gaia

gaia.pasetto@skytv.it Grazie per la vostra email. Sono fuori ufficio con limitato accesso alla posta elettronica. Rientrerò in ufficio lunedì 11, in caso di urgenza potete rivolgervi a Gianmaria Biancuzzi gianmaria.biancuzzi.stagista@skytv.it Grazie Gaia​

Gianni sara

Cara Carmelina, mi sono commossa nel leggere il tuo racconto. La tua sensibilità è eccezionale ed hai tutta la mia solidatrietà.Durante la vita bisogna combattere e avere tanta forza ma l'amore non muore mai. Adesso mi trovo in montagna per proseguire alcuni lavori che riguardano la casa,a settembre spero di incontrarti. Ti invio un abbraccio sentito.Sara Nascondi contenuto tagliato ----Messaggio originale---- Da: carmelinarotundo@yahoo.it Data: 04/08/2015 19.03 A: "Tina de Fazio" Ogg: il nociaio un documento che testimonia il perché io abbia cercato di difendere mio fratello da una eventuale ricaduta nella psicofarmaco di pendenza una cosa orribile: ti rende schiavo ed investe nel dolore ogni persona vicina famiglia amici ...... tutti impotenti davanti alla dipendenza ; ci si dovrebbe chiedere dove è il limite tra psicofarmaco e droga ? quanto costa in fatto di denari pubblici? nel sociale? e dovremmo chiedere una maggiore responsabilità ai professionisti in questo settore altro che proteggere l' agire dei professionisti va difeso il malato ed invece per oscuri sentieri siamo giunti all' alleanza tra psichiatria e magistratura con risultati orrendi in uno stato democratico alcuni gruppi sono autorizzati hanno il diritto di ledere la dignità di un proprio simile naturalmente se più debole è un problema sociale che investe tutti e puo' capitare a tutti. uniamoci al dialogo aperto da TOSCANAOGGI perché si testimoni che a nessuno è dato diritto di ledere la dignità della vita dono meraviglioso avuto per nascita

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Artemisia

Artemisia Gentileschi a Firenze Museo degli Innocenti, fino a al 4 aprile 2027 il Museo degli Innocenti ospita per la prima volta una mostra fantastica dedicata al periodo fiorentino di Artemisia Gentileschi una donna artista che riemmo oggi affronta la vita guaedando davanti a se con coraggio determinazione riuscendo ad affermarsi nel mondo artistico culturale del tempo ed è propio a Firenze che lei Artemisiala sua maturità artistica ma da dove arrivava Artemisia ? Roma era in quel momento un grande centro artistico e la sua atmosfera satura di cultura e di arte costituiva un ambiente unico in Europa. La Riforma Cattolica, in effetti, costituì per l'Urbe un'eccezionale spinta propulsiva e portò al restauro di numerose chiese – e, dunque, a un sostanziale incremento di committenze che coinvolse tutte le maestranze impegnate in quei cantieri – e a svariati interventi urbanistici, i quali sovrapposero all'antica e angusta città medievale una nuova maglia funzionale di strade scandite da immense piazze e delineate da sfarzose residenze gentilizie. Roma era molto fervente anche dal punto di vista sociale: nonostante l'alta densità di mendicanti, prostitute e ladri, in città affluivano numerosissimi i pellegrini (con l'evidente intento di rafforzare la propria fede visitando i vari luoghi sacri) e di artisti, di cui molti fiorentini (durante il Cinquecento, infatti, ben due rampolli della famiglia dei Medici ascesero al soglio pontificio, sotto i nomi di Leone X e Clemente VII). anciullezza Battezzata dopo due giorni dalla sua nascita nella chiesa di San Lorenzo in Lucina, la piccola Artemisia divenne orfana di madre nel 1605.[2] Fu probabilmente in questo periodo che si avvicinò alla pittura: stimolata dal talento del padre, la bambina spesso lo guardava affascinata mentre si cimentava con i pennelli, sino a maturare un'ammirazione incondizionata e un lodevole desiderio di emulazione. La formazione della Gentileschi avvenne, nell'ambito artistico romano, proprio sotto la guida del padre che fu perfettamente in grado di valorizzare al massimo il talento precoce della figlia. Ripercorrendo l'iter didattico proprio degli aspiranti pittori del tardo Rinascimento, Orazio introdusse la figlia all'esercizio della pittura, innanzitutto insegnandole come preparare i materiali utilizzati per la realizzazione dei dipinti: la macinazione dei colori, l'estrazione e la purificazione degli oli, il confezionamento dei pennelli con setole e pelo animale, l'approntamento delle tele e la riduzione in polvere dei pigmenti furono tutte perizie che la piccola metabolizzò nei primi anni. Acquisita una certa dimestichezza con gli strumenti del mestiere, Artemisia perfezionò le proprie doti pittoriche soprattutto attraverso la copia delle xilografie e dei dipinti che il padre aveva sotto mano – non era raro, per gli atelier dell'epoca, possedere incisioni di personaggi come Marcantonio Raimondi e Albrecht Dürer – e, contestualmente, subentrò alla madre ormai defunta nelle varie responsabilità della conduzione familiare, dalla gestione della casa e del vitto alla custodia dei suoi tre fratelli minori. Frattanto, Artemisia recepì stimoli cruciali anche dalla vibrante scena artistica capitolina: importante fu la conoscenza della pittura di Caravaggio, artista che aveva stupito il pubblico realizzando gli scandalosi dipinti nella cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi, inaugurata nel 1600, quando Artemisia non aveva che sette anni. Alcuni critici del passato hanno persino avanzato l'ipotesi di una frequentazione diretta tra lei e Caravaggio, che spesso si recava nello studio di Orazio per procurarsi le travi da sostegno per le proprie opere.[3] Molti, tuttavia, ritengono quest'eventualità poco probabile alla luce delle pressanti restrizioni paterne, a causa delle quali Artemisia imparò la pittura confinata entro le mura domestiche, non potendo fruire degli stessi percorsi di apprendimento intrapresi dai colleghi maschi: la pittura, all'epoca, era infatti considerata una pratica quasi esclusivamente maschile. Ciò malgrado, Gentileschi subì ugualmente il fascino della pittura caravaggesca, anche se filtrato attraverso le pitture del padre.[4] Artemisia Gentileschi, Susanna e i vecchioni, 1610 circa, castello di Weißenstein. Nel 1608-1609 il rapporto tra Artemisia e il padre si trasformò da un discepolato a una fattiva collaborazione:[5] Artemisia Gentileschi, infatti, iniziò a intervenire su alcune tele paterne, per poi produrre piccole opere d'arte autonomamente (anche se di attribuzione dubbia), dove mostrò di aver assimilato e interiorizzato gli insegnamenti del maestro. Fu nel 1610 che produsse quella che secondo alcuni critici è la tela che suggella ufficialmente l'ingr tornando a Firenze lei è la prima donna nella storala prima donna ad essere ammessa all’Accademia delle Arti, riceve prestigiosi incarichi dalla famiglia Medici, frequenta Galileo Galilei e gli artisti coevi, è al centro della vita culturale del tempo. Qui Artemisia si afferma come artista, libera dalla morbosa attenzione mediatica che la costringe a lasciare Roma, e trova la sua strada, quella che la porterà ad entrare a pieno titolo tra i grandi maestri della storia dell’arte. Ed è proprio questo periodo, cruciale per il percorso artistico di Artemisia, che viene indagato nella mostra curata da Costantino d’Orazio, Cristina Acidini e Sandro Bellesi, che ci introducono anche nel mondo artistico del seicento fiorentino, alla scoperta di artisti meravigliosi e meno conosciuti: da Cristofano Allori a Francesco Furini, passando per Cesare Dandini, Giovanni Martinelli, Filippo Tarchiani, Fabrizio Vannini, Lorenzo Lippi, il Volterrano, Jacopo Vignali e molti altri. Con il patrocinio del Comune di Firenze, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia ancora una volta al fianco del Museo degli Innocenti, in collaborazione con Cristoforo. INFORMAZIONI Orari apertura Tutti i giorni dalle ore 9.30 alle ore 19.00 (la biglietteria chiude un’ora prima) Biglietti mostra + Museo degli Innocenti Intero € 16,00 Ridotto € 14,00 Open € 19,00 alla domanda se ai nostri tempi Artemisia Gentileschi potesse essere considerata uno dei più grandi simboli storici di resilienza, riscatto e determinazione ' la risposta è si La sua vita e la sua carriera artistica incarnano intatti il concetto moderno di resilienza per tre motivi fondamentali: • Il trauma e la fermezza nel processo: Nel 1611 subì uno stupro da parte del pittore Agostino Tassi. Durante il successivo e umiliante processo pubblico, Artemisia venne sottoposta a torture fisiche (lo schiacciamento dei pollici) per verificare la veridicità della sua testimonianza. Nonostante la pressione sociale e il dolore fisico, non ritrattò mai la sua accusa. • La pittura come spazio di catarsi: Trasformò il proprio vissuto traumatico in arte potente e rivoluzionaria. Nei suoi quadri le donne non sono vittime passive, ma eroine bibliche e storiche fiere, forti e capaci di vendetta, come dimostra il celebre dipinto Giuditta che decapita Oloferne. • Il primato professionale: In un'epoca in cui le donne erano legalmente ed economicamente dipendenti dagli uomini, Artemisia riuscì a imporsi come artista indipendente a livello internazionale. è stata la prima donna in assoluto a essere ammessa alla prestigiosa Accademia delle Arti del Disegno di Firenze. Roma era in quel momento un grande centro artistico e la sua atmosfera satura di cultura e di arte costituiva un ambiente unico in Europa. La Riforma Cattolica, in effetti, costituì per l'Urbe un'eccezionale spinta propulsiva e portò al restauro di numerose chiese – e, dunque, a un sostanziale incremento di committenze che coinvolse tutte le maestranze impegnate in quei cantieri – e a svariati interventi urbanistici, i quali sovrapposero all'antica e angusta città medievale una nuova maglia funzionale di strade scandite da immense piazze e delineate da sfarzose residenze gentilizie. Roma era molto fervente anche dal punto di vista sociale: nonostante l'alta densità di mendicanti, prostitute e ladri, in città affluivano numerosissimi i pellegrini (con l'evidente intento di rafforzare la propria fede visitando i vari luoghi sacri) e di artisti, di cui molti fiorentini (durante il Cinquecento, infatti, ben due rampolli della famiglia dei Medici ascesero al soglio pontificio, sotto i nomi di Leone X e Clemente VII). Fanciullezza Battezzata dopo due giorni dalla sua nascita nella chiesa di San Lorenzo in Lucina, la piccola Artemisia divenne orfana di madre nel 1605.[2] Fu probabilmente in questo periodo che si avvicinò alla pittura: stimolata dal talento del padre, la bambina spesso lo guardava affascinata mentre si cimentava con i pennelli, sino a maturare un'ammirazione incondizionata e un lodevole desiderio di emulazione. La formazione della Gentileschi avvenne, nell'ambito artistico romano, proprio sotto la guida del padre che fu perfettamente in grado di valorizzare al massimo il talento precoce della figlia. Ripercorrendo l'iter didattico proprio degli aspiranti pittori del tardo Rinascimento, Orazio introdusse la figlia all'esercizio della pittura, innanzitutto insegnandole come preparare i materiali utilizzati per la realizzazione dei dipinti: la macinazione dei colori, l'estrazione e la purificazione degli oli, il confezionamento dei pennelli con setole e pelo animale, l'approntamento delle tele e la riduzione in polvere dei pigmenti furono tutte perizie che la piccola metabolizzò nei primi anni. Acquisita una certa dimestichezza con gli strumenti del mestiere, Artemisia perfezionò le proprie doti pittoriche soprattutto attraverso la copia delle xilografie e dei dipinti che il padre aveva sotto mano – non era raro, per gli atelier dell'epoca, possedere incisioni di personaggi come Marcantonio Raimondi e Albrecht Dürer – e, contestualmente, subentrò alla madre ormai defunta nelle varie responsabilità della conduzione familiare, dalla gestione della casa e del vitto alla custodia dei suoi tre fratelli minori. Frattanto, Artemisia recepì stimoli cruciali anche dalla vibrante scena artistica capitolina: importante fu la conoscenza della pittura di Caravaggio, artista che aveva stupito il pubblico realizzando gli scandalosi dipinti nella cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi, inaugurata nel 1600, quando Artemisia non aveva che sette anni. Alcuni critici del passato hanno persino avanzato l'ipotesi di una frequentazione diretta tra lei e Caravaggio, che spesso si recava nello studio di Orazio per procurarsi le travi da sostegno per le proprie opere.[3] Molti, tuttavia, ritengono quest'eventualità poco probabile alla luce delle pressanti restrizioni paterne, a causa delle quali Artemisia imparò la pittura confinata entro le mura domestiche, non potendo fruire degli stessi percorsi di apprendimento intrapresi dai colleghi maschi: la pittura, all'epoca, era infatti considerata una pratica quasi esclusivamente maschile. Ciò malgrado, Gentileschi subì ugualmente il fascino della pittura caravaggesca, anche se filtrato attraverso le pitture del padre.[4] Artemisia Gentileschi, Susanna e i vecchioni, 1610 circa, castello di Weißenstein. Nel 1608-1609 il rapporto tra Artemisia e il padre si trasformò da un discepolato a una fattiva collaborazione:[5] Artemisia Gentileschi, infatti, iniziò a intervenire su alcune tele paterne, per poi produrre piccole opere d'arte autonomamente (anche se di attribuzione dubbia), dove mostrò di aver assimilato e interiorizzato gli insegnamenti del maestro. Fu nel 1610 che produsse quella che secondo alcuni critici è la tela che suggella ufficialmente l'ingr

al Teatro del Maggio per EFPA Italia Meeting 2026 (21–22 ottobre 2026

al Teatro del Maggio per EFPA Italia Meeting 2026 (21–22 ottobre 2026 al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino Cosa è stato: La due giorni nazionale dedicata ai professionisti della consulenza finanziaria e del mercato del risparmio, con dibattiti, aggiornamenti normativi e focus sul settore economico-finanziario. Ho realizzato molte interviste interessanti L'EFPA Italia Meeting 2026 (XVII edizione) si è svolto il 21 e 22 ottobre 2026 a Firenze, presso il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino. Dettagli principali dell'evento Titolo / Tema: “Planning better, living longer. Tutto ha inizio da un punto”, dedicato al tema della longevità e al suo impatto sulla pianificazione patrimoniale e sulla consulenza finanziaria. [1] Presidente EFPA Italia: Fabrizio Quaglio (che ha aperto l'evento inaugurale). Formazione e Crediti: L'evento è stato accreditato per 12 ore ai fini del mantenimento delle Certificazioni EFPA per chi ha partecipato a tutte le sessioni ufficiali (dalle ore 14:00 del 21 ottobre alle ore 14:00 del 22 ottobre). [1] Principali contenuti: Ricerca di FINER Finance Explorer sulle diverse generazioni, interventi di Emanuele Maria Carluccio (Presidente EFPA Europe) e tavole rotonde sul futuro della professione. Gli intervistati sono stati. IMPARATO di Latina Sartoria napoletana cantina dei vini. Data l'importanza del convegno prego segnalare I dati anche

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